Del Cine Como El Quinto Poder.

Todo poder público al interior de cualquier sociedad democrática debe tener un contra-poder que regule su funcionamiento y limite sus alcances, siendo esto uno de los principios base de la teoría política clásica. Primitivamente, las sociedades crearon una función legislativa, otra ejecutiva y una última judicial, como tres ramas organizativas del poder público. No obstante, este sistema de pesos y contra pesos funcionaba a nivel de gobierno, parlamentos y cortes, sin dejarle a la ciudadanía un ente desde el cual ella pudiera ejercer presión de manera cotidiana. Los medios de información llenaron ese espacio por un momento, teniendo en la denuncia hacia los funcionarios públicos el arma más poderosa para delimitar sus acciones y enfocarlo hacia el bien público.

Producto de los cambios producidos por la globalización en su fase de pax americana y neoliberal, la sociedad de hoy se enfrenta a un nuevo problema. No se previó, por parte de nuestros padres fundadores, la capacidad de que alguna institución, algún ente o una organización, pudiera captar las tres ramas del poder público y la del ciudadano, disponiendo de todas ellas a su antojo y para satisfacer sus necesidades. Es indudable que hoy, el poder económico, centralizado éste en las grandes corporaciones con alcance global, tiene a su merced Estados enteros, dejando de nuevo a los pueblos indefensos frente a su accionar. Como era de esperarse, esta capacidad de maniobra va muchas veces en beneficio de todos; pero es también usada de manera inescrupulosa cuando los intereses comerciales se ven amenazados. Es por esto que se debe celebrar cuando desde el arte, sin importar su forma de expresión, se alza una voz de denuncia que acusa, con la sutileza producto de su misma esencia, alguna faceta diciente de ese mundo totalitario que hoy se ha erigido frente a nosotros.

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“The Americans” Un Gusto Exquisito.

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“The Americans” Poster

Cualquier aficionado a “The Americans” en el mundo tiene el mismo problema: saber que está viendo la mejor serie de la televisión actual, y no tener absolutamente nadie con quien comentarla, debatirla, compartirla. Una historia innovadora para la televisión, capaz de dar una vuelta de tuerca a todo un género cinematográfico, con una narrativa visual y escrita muy bien elaborada, además de unas actuaciones impresionantes, que se ha mantenido en sus cinco temporadas como una especie de fracaso comercial y éxito artístico, lo que parece ser una característica definitiva de nuestra generación.

John Landgraf, presidente de FX, la cadena que produce y transmite la serie en los Estados Unidos, se está convirtiendo de a poco en uno de esos héroes anónimos que hacen historia. En su afán, de buscar productos con contenido de inmensa calidad capaces de ignorar los mandatos comerciales exigentes de resultados inmediatos, está transformando el contenido de la pantalla chica. No debe obviarse que su interés puede ser una apuesta comercial muy inteligente: las obras imperecederas son más rentables, puesto que su calidad les permite encontrar públicos a lo largo de la historia y, por lo tanto, ser eternamente explotables. “The Americans“, parece una apuesta segura ésta, será igual de entretenida dentro de dos décadas.

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“Mindhunter”, Teatro Hecho Cine Para Televisión.

“El cine es el medio del director, la televisión del productor y el teatro el del actor.” La sentencia, tajante y profunda, fue hecha por uno de los grandes del séptimo arte: el gran Tom Hanks. Profundizando un poco en ella es absolutamente tentador darle la razón al intérprete: una película necesita de una visión para culminarse, una serie demanda un centro que coordine una cuantiosa cantidad de capítulos y una obra alcanza su cenit al momento de efectuarse la presentación en vivo.

Mindhunter“, la serie de Netflix creada por Joe Penhall, cuya producción y dirección estuvo a cargo de David Fincher (el cineasta dirigió cuatro capítulos y escogió a los encargados de hacer ese trabajo en el resto), podría haber rebosado las fronteras anteriormente fijadas, creando un producto televisivo exquisito y demasiado perfecto para su tiempo; uno en donde la tecnología ha derrumbado por completo las murallas que definían al cine, la televisión y el mismo teatro.

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Guns N’ Roses, Una Banda De Rock Y Cine.

Lo de Guns N’ Roses en esta segunda década del milenio es algo alucinante. Después de una separación abrupta de una alineación original ya diezmada a mediados de los años noventa, la banda se reúne en el 2016 para arrancar una gira mundial de conciertos. Un suceso con hartas posibilidades de culminar en fracaso, puesto que el grupo no lanzaba un disco desde el milenio anterior. Pero, aún así, organizan ellos una exitosa y numerosa cantidad de presentaciones por varios países, dándose el lujo además de romper un par de récords en su visita a los principales estadios del mundo.

El actual resurgir de los músicos ha creado una marcada nostalgia por esos siete años dorados en los que estos cinco desadaptados, forjados como grupo de rock en la ciudad de Los Ángeles, simple y llanamente pusieron el mundo de la música de cabeza. Siendo, indudablemente, una de las marcas más rentables en la industria, su cercanía con Hollywood era algo de esperarse porque su conexión con el cine es algo especial. Y no nos referimos con esto a las docenas de producciones que han licenciado sus canciones para que acompañen a las imágenes en movimiento, sino que buscamos excavar los momentos en los que banda hizo tributo con su arte a algunas películas, las anécdotas que la conectan con el séptimo arte y, por supuesto, las producciones en las que participó directamente.

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“Heat”, De Michael Mann, Obra Maestra Del Cine.

Taschen, la famosa editorial alemana, en el libro que le dedicó a Michael Mann definió a éste como un “paisajista de los espacios urbanos industriales”. Tom Cruise, por su parte, en los días de promoción de “Collateral” se referió a su director como alguien con un “increíble ojo”. Y un bloguero español, del que se lamenta no recordar su nombre, usó la frase “un puto genio con la cámara” como la mejor manera para describir al artista.

Y es que visualmente pocos autores tienen una firma tan definida y definitoria como la de este cineasta oriundo de Chicago, quien tuvo entre mediados de la década de los años noventa y principios del milenio una época de inspiración pura, de la que se nos legó cuatro obras sublimes; siendo la primera de ellas, “Heat“, su trabajo más logrado y uno que coquetea con la perfección artística de manera descarada.

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“Inception”, De Christopher Nolan, Máxima Cinematográfica.

Al juntar las iniciales de los nombres de los principales personajes de la película: Dom, Robert, Eames, Arthur, Mal, Saito, se crea la palabra “Dreams”, la que traducida a nuestro idioma significa “Sueño”. Si agregamos al ejercicio los nombres de otros tres: Peter, Ariadne y Yusuf, formamos con todo el conjunto la expresión inglesa “Dreams Pay”, la que podría entenderse por los hispanos como “Los Sueños Pagan”. Básicamente, esto último es el quehacer del grupo dirigido por Dom Cobb en “Inception“, la obra maestra de Christopher Nolan.

Continuar por esta linea no es un ejercicio fútil; es más bien uno capaz de incrementar el aprecio por la película. “Yusuf”, el nombre del personaje interpretado por Dileep Rao, es la palabra árabe para “José”, figura religiosa (bíblica y del Corán) quien en el libro del Génesis tuvo el don de interpretar los sueños, pudiendo con su visión preparar al faraón para el desastre de los “siete años de escasez”. Ariadne (Ellen Page), en la mitología griega era el nombre que tenía la hija del rey Minos de Creta y es recordada por la historia porque según su leyenda, ayudó ella a Teseo a vencer al Minotauro al entregarle una bola de hilo rojo de lana con la que pudo encontrar el camino fuera del laberinto. Cuando Cobb le pide a Ariadne que realice, precisamente un laberinto que él no pueda resolver rápidamente, la solución encontrada por la arquitecta es un diagrama idéntico al del Rey Minos.

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Amando A Weinstein, Odiando A Harvey, El Fin De Una Era En Hollywood.

Kevin Smith, director de “Clerks” y “Zack and Miri Make a Porno“, entregó a Harvey Weinstein a mediados de la década de los noventa un guion escrito por Matt Damon y Ben Afleck, años más tarde conocido por todo el mundo como la película “Good Will Hunting“. El productor le encantó el texto y organizó un encuentro para discutir con los escritores. El hombre a cargo de Miramax en esa época, le confesó a sus contertulios la fascinación que sentía por el material; pero que se encontraba absolutamente confundido por la escena entre los dos profesores (a ser interpretados por Stellan Skarsgård y Robin Williams) ubicada en la página sesenta, en la que mantenían sexo oral. El grupo de jóvenes realizadores le contestaron al ejecutivo que esa escena no era para filmarla en la película, sino para probar a los jefes de los estudios, buscando comprobar si habían leído ellos o no el texto. Después de haberse visto con todos los grandes: Warner Bros, MGM, FOX, Harvey Weinstein era el único que había hecho algún comentario acerca de esa escena.

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Getty Images

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